在第72届戛纳电影节上获得金棕榈奖的电影《寄生虫》引起了影迷和部分业内人士的高度关注，也引起了不小的争议。艺术和商业不能共存吗？《寄生虫》是韩国第一部获得金棕榈奖的电影，而获得金棕榈奖的中国电影是《霸王别姬》。我主要想通过电影《寄生虫》简单谈谈这部电影的艺术性和商业性。
与奥斯卡不同，欧洲最具影响力的三大国际电影节向来更注重电影的艺术性，这与欧洲历史向来注重艺术有关。电影史上与电影美学和本体论相关的艺术思潮和电影运动大多起源于欧洲。美国从电影发展之初就与商业化息息相关，因此与欧洲三大国际电影节相比，奥斯卡更具“商业性”。
但这次获得金棕榈奖的《寄生虫》相对来说更商业化。很多人对这部电影的评价都是“商业的”和“艺术的”，因为相比其他获奖的艺术片，《寄生虫》的大众欣赏度要强得多。比如刚刚获得上届威尼斯金狮奖的《罗马》，在黑白基调和叙事手法上都比较偏纪实，但也比较沉闷，戏剧冲突相对较少，这也是大部分艺术的通病电影。特征。然而，《寄生虫》采用类型学的手法和商业包装，将现实主义融为一体，不仅具有观赏性和娱乐性，还蕴含着艺术作品的意义和内涵。
“商业性”是一个非常广泛的概念。对于这部电影，我想简单谈谈这部电影的创作。
首先，商业性体现在影片的场景调度和表演技巧上。影片的镜头调度不像一些现实主义电影那样大量使用手持镜头来营造呼吸感，也不像之前的一些艺术片在形式上看起来“粗制滥造”。下移动作手法给人以商业片的“厚重感”。这一特点体现在影片的第一张镜头中。第一个镜头的视点是从窗户里面到外面。一堆挂着的袜子作为前景，然后平稳下降。这个镜头已经让我瞥见了这部电影。粗犷的语气。
另一个例子是基廷在客厅谈话时告诉帕克夫人。朴太太一惊，镜头突然偏移，偏离了轴心，非常有格调。最后公园里还发生了一场“大屠杀”。场景的处理形式感很强，通过音乐音效和镜头升级的完美结合来渲染情绪，而对于朴总统闻到恶臭“捏鼻子”的场景，现实中是这样的危机时刻是不可接受的。有些人闻到臭味会捏鼻子，导演在这里对表演进行了艺术处理，延长了时间。
总之，电影的艺术语言水平和形式处理体现了以往强调艺术电影很难看到的商业元素。
同时，影片的播放水平也体现出强烈的商业性。有评论称，影片内容不真实，富豪形象过于“傻傻”。其实我个人觉得这部电影有一种特殊的荒诞感，而这种荒诞感也可以成为这部电影的一个特点。在剧本结构上，该片更符合好莱坞经典时期流传下来的经典“三幕剧”结构。豪门引出矛盾，第二幕“对峙”，矛盾爆发，女仆与靳家互相发现秘密，第三幕“结局”也是影片的高潮，庄园大屠杀。这部三幕剧的结构最初来源于戏剧，
可以说是我们喜欢看的所有好莱坞大片，比如《重逢》系列，以及近年来好莱坞叙事模式在中国本土化比较成功的案例，比如《战狼》系列，他们的玩法结构就是以此为基础的。基于经典模式。这种模式无疑是让一部电影“好看”的一个重要因素，所以很多电影都是用西方的方式来讲述的，《寄生虫》也不例外。
除了剧的结构，导演还在内容中运用了很多类型片元素的创作手法，比如悬疑、反转等手法，以期最大限度地吸引观众的注意力，引导观众的情绪。一直。就在靳家在富豪家举办宴会的时候，门铃突然响了。这是一个悬念。就在观众以为是主人的时候，才发现原来是那个女仆。这是一个小小的逆转，然后女仆快速跑到地下室给丈夫送饭。后来，靳家被发现了，主人一边喝酒一边回来。内容不断反转，悬疑不断，刺激了观众紧张的情绪，让观众的“审美”不断加深。“体验”的心理与剧中的人物形成了一定的共鸣。这种把观众吊起来的手法在很多获奖的艺术片中是很难看到的，相反，在很多类型的电影中却很丰富。
不得不说，《寄生虫》无论是电影语言的运用，还是剧本手法的处理，都体现了很强的商业元素。
对于艺术作品，其层次往往是“艺术语言”、“艺术形象”和“艺术意蕴”。优秀的艺术作品往往包含着深刻的思想、象征意义和哲学性质。它们是作品的形式和内容。艺术的完美统一就是艺术水平的完美统一，电影作为一种艺术显然也是如此。
《寄生虫》能拿到金棕榈的主要原因是它的艺术性。一般而言，获奖影片要么在影像本体美学上做到极致，要么开辟新的语言和形式，开辟新的电影边界，要么在哲学思想层面深刻。最后一届金棕榈奖颁给了枝裕和的《盗贼家族》。它的写实风格与《寄生虫》形成了强烈的对比。但是，它们都有一个共同的特点，那就是对社会和人性的深刻反映。贫富家庭的对比，以及社会阶层分化严重的讽刺，贫困家庭的孩子上大学赚钱，住上更好的房子，而富裕家庭的孩子则学习绘画和一家人旅行。生存问题从来都不是他们的问题。要考虑的因素。最后是人类的崩溃和异化，直接导致了“大屠杀”。看完电影，观众会进入“审美升华”的心理，观众会相信每个人都不一样。正是这部电影的哲学本质，充分推动了观众对艺术接受的主观性。在这方面，电影的艺术性还不错。正是这部电影的哲学本质，充分推动了观众对艺术接受的主观性。在这方面，电影的艺术性还不错。正是这部电影的哲学本质，充分推动了观众对艺术接受的主观性。在这方面，电影的艺术性还不错。
关于电影的艺术性，由于早期无声电影的发展不成熟，电影艺术的探讨主要集中在电影影像本体的美学实验上。电影影像美学的边界，这一时期也是欧洲电影发展超越美国的时期之一。后来，意大利新现实主义、法国新浪潮、现代主义电影[2]等，都在寻找电影美学和艺术性的新突破，不断探索思想内容的哲学化和影像方法的突破。
不过，从电影开始，商业的推广就离不开了。可以说，电影是商业性最强的艺术之一。艺术作品的商业性也是由艺术生产系统的环节决定的。
有声电影之后好莱坞迅速发展的一个重要原因，是好莱坞投资者出于商业利益推动了电影业的发展。此后，电影产业体系下的以制片人为中心的体系和类型片、明星体系的出现应运而生。所以，好莱坞拍电影主要是为了赚钱，这确实是它的传统。在一定程度上，类型片的出现是一种反艺术创作，但不可否认，电影的商业化对电影产业的发展起到了一定的作用。好莱坞不仅通过商业体系确立了其在世界电影界的领先地位，而且1980年代之后的中国电影市场改革也推动了中国电影业的发展。
中国第四代导演时期，电影艺术家最看重艺术。比如，引领张艺谋、陈凯歌发展的第四代导演吴天明，在电影艺术的最后生涯中，坚持拍《百鸟凤凰》。连张艺谋都说：“我还可以低俗，拍一些商业片，他们这一代人做不到，他（吴天明饰）过不了心里的这道坎，他的清纯让他容不下，他很痛苦。” 那时的人，谈艺术胆子大，谈娱乐就不好意思，谈钱就更不好意思了。不过，这种情况虽然确实促进了电影艺术，但很难推动电影产业。因为每个人都拍艺术片现实主义电影美学的电影，观众的欣赏水平可能没有那么高。如果观众不喜欢看，就没有票房。如果没有票房，拍电影的钱从哪里来？支持电影制片厂的钱从哪里来？行业需要市场，市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。s的欣赏水平可能没有那么高。如果观众不喜欢看，就没有票房。如果没有票房，拍电影的钱从哪里来？支持电影制片厂的钱从哪里来？行业需要市场，市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。s的欣赏水平可能没有那么高。如果观众不喜欢看，就没有票房。如果没有票房，拍电影的钱从哪里来？支持电影制片厂的钱从哪里来？行业需要市场，市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。如果观众不喜欢看，就没有票房。如果没有票房，拍电影的钱从哪里来？支持电影制片厂的钱从哪里来？行业需要市场，市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。如果观众不喜欢看，就没有票房。如果没有票房，拍电影的钱从哪里来？支持电影制片厂的钱从哪里来？行业需要市场，市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。如果没有票房，拍电影的钱从哪里来？支持电影制片厂的钱从哪里来？行业需要市场，市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。如果没有票房，拍电影的钱从哪里来？支持电影制片厂的钱从哪里来？行业需要市场，市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流现实主义电影美学的电影，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。市场需要观众。因此，我国进行了改革。顺应改革开放的潮流，电影产业市场化。慢慢地，娱乐片开始大量出现，资金的源源不断的涌入，极大地推动了我国的发展。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。电影产业的发展。电影的发展离不开商业化，这是由艺术生产的特点决定的。电影艺术一直是艺术与商业的对立统一体。
而为什么有些艺术片那么枯燥，甚至“粗制滥造”？沉闷往往是由于没有太多戏剧性的冲突和套路造成的。“以次充好”的部分原因在于手持摄影的方式和前期拍摄资金的匮乏。我认为这归结为法国新浪潮和现代主义电影概念。
法国新浪潮的“Cinebook学派”倡导电影的“摄影”性，极大地改变了人们对电影的观念，也推动了现实主义电影的发展，使许多电影走上了“纪实美学”的路线。特吕弗、戈达尔等性导演，出品了《四百次打击》、《筋疲力尽》等多部影史经典作品。戈达尔更是“不羁”，跳切、手持、横轴等反传统、标新立异的电影手法，在一定程度上开辟了电影美学的新边界，其电影中的任意性影响了很多人。还有一群来自“左岸”的意识流导演制作的意识流电影，更“枯燥乏味”。如果在今天的电影院上映，肯定会被骂，因为大部分公众观众都很难看。
然而，不可否认它对电影艺术的贡献。正是因为这些人，这部电影才成为电影，而不仅仅是好莱坞商业爆米花的赚钱工具。新浪潮确立了“作者电影”的概念，直接推动了现代主义电影的浪潮，产生了伯格曼、安东尼奥尼、帕索里尼等多位现代主义电影大师。时至今日，不少知名导演都深受其影响。许多艺术片追求纪实性，采用手持摄影，反对将戏剧冲突商业化。同时，他们在内容上关注自己和社会。纪实美学与现代主义思想的影响。
我国第六代导演大多注重纪实美学。比如不久前娄烨的《风雨成云》，镜头晃动的眩晕，贾樟柯的《小舞》《江湖儿女》等，都遵循纪录片的审美风格，某种程度上，王小帅导演的《久违的时光》也是写实主义的审美风格。值得注意的是，过去的一些艺术片似乎“以次充好”。除了追求纪实美学，很大一部分原因还是因为缺钱。比如戈达尔拍《筋疲力尽》的时候，预算并不高，拍摄只拍了几张。仅限一周。而现在很多电影还在刻意追求“没钱”的效果
与第六代导演不同，我国一批新电影强国导演开始在“艺术”与“商业”之间寻求平衡，这似乎也是当代电影发展的一种趋势。目前大众化、去中心化已经成为文艺市场的特征，这无疑是新导演更加注重商业性和艺术性的原因。在“互联网+”的背景下，他们努力接受电影作为一个产业和产业的概念。他们不惧票房和商业，积极探索商业与艺术的平衡。这种现象在最近的第一届青年电影节上也可以看到。
与六代、五代导演基本出身于电影学校不同，新势力导演的来源更多。从某种角度来说，由于我国互联网和新媒体的发展，视频的“门槛”在一定程度上降低了，尤其是随着新媒体的发展，几乎人人都能剪辑，这些特点在新的权力导演中也可以很出色。反映。比如《我不是药神》的导演文牧野，他的早期作品都是自己导演和剪辑的，还有拍过婚礼的宁浩和毕干，都是经过培训的发展新媒体，具备综合成像能力。一般较高。他们的作品往往在票房、口碑和艺术性之间取得平衡。比如，温牧野的《我不是药神》就是一部现象级的电影。一开始，导演温牧野将这部电影定位为“写实商业片”。，不再追求纯艺术片，而是明确自己在做的是商业片，所以在《我不是药神》中，也可以看到很多商业化的手法，比如开头和套路的结尾，哪一个好笑，哪一个哭点都是精确计算的，还有一些类型片的元素，比如追杀打架等等。不过，反映中国社会的问题也被很多人点赞人们。还有宁浩导演一直在尝试的黑色幽默，韩嫣《动物世界》构建的假想空间，而在隐喻社会阶层的背后使用大量的视觉效果，以及最近的《流浪地球》和《战狼》等，都是好莱坞叙事模式本土化的成功案例。这些新作预示着新权力导演时代的到来。在这个时代，商业性和艺术性会更好地平衡。修正引发的市场泡沫过度商业化，也是新时代电影发展的航标。商业性和艺术性将得到更好的平衡。修正引发的市场泡沫过度商业化，也是新时代电影发展的航标。商业性和艺术性将得到更好的平衡。修正引发的市场泡沫过度商业化，也是新时代电影发展的航标。
在一个完整的电影生态中，反思与启蒙、艺术本体与娱乐类型并不是相互排斥的，而是相互联系、共存的。这也是电影商业性和艺术性之间的平衡，我国电影的发展还需要不断的提高。努力构建完整的生态系统。这不仅需要创作者的创新，更需要观众艺术欣赏水平的提升，使艺术创作、艺术作品、艺术接受形成良性的艺术生产体系。